2025年6月3日から15日までの2週間の個展が終了。 開催場所の京都写真美術館は、近くに、平安神宮や京セラ美術館、京都近代美術館があるため、アート好きな人や、海外の旅行者が、ふらっと入ってこれる素敵なロケーション。後半に梅雨入りした影響もあって、雨降りの日は若干少なめでしたが、逆に、じっくりと作品を観ていただけたかなと思います。 タイトル：LIFESPEED in FLUX 列車からの車窓風景を作品化したLIFE SPEEDシリーズの第四弾。「In FLUX」としたのは、無自覚で機械的に流れる風景を撮り始めて6年。大量に撮影した写真をセレクトしていく中で、自分の好きや経験それに興味が、確実に写真に入り込んでいることを自覚したんです。撮影する際、無意識に選択してる構図や色が、私自信だったと。それで自分の感覚がLIFE SPEEDの作品に大量に流れ込んでるという意味合いを込めたのタイトルにしました。 作品点数は32点。新作が22点。会場の規模的には丁度良かったですね。 まず会場の下見から入って、ある程度ラフに展示の流れを決め、パソコン上に会場を作って、作品を並べては試行錯誤。この作業を何度も何度も繰り返して展示作品を決めていきました。 期間中の二週間は、ずっと会場でゲストをお出迎え。グループ展では、ほとんど会場にいませんが、個展は、ほぼ毎日在廊するようにしてます。やはり反応をダイレクトに聞くのは楽しいですから。 来場者の方に「ここは、たまたまですか？」と聞くと、「いえいえ」という返事が想像以上に多い。 以前、私の写真を見たとか。DMや、なぜだか妙にアクセス数の増えたこのホームページとか、ギャラリー側の広報活動も、宣伝効果があったんだと思いますが、わざわざ足を運んでいただけた方が多くて、とても光栄でした。中には東京の個展で私の写真を見て、関東からわざわざ出向いてくださったり。関西万博のスタッフだと言われた海外の方、万博会場近くの居酒屋で、DMをみつけたとか。居酒屋に置かれていたことにも、びっくりです。今度御礼に出向かないと。 会場には、過去のDMや過去のDM風カレンダーを置いてましたが、早々に予定枚数が、なくなってました。途中、補充したものも最終日にはほぼなくなってました。全部、自分でデザインしているので純粋に手にとってもらって喜んでくれるのは嬉しいですね。

コンパクトだからコンパクトカメラ。まぁそうなんだけど、撮ってると楽しいのは、どんなカメラでも同じ。結局カメラなんて、なんでもいいのかなと思う。 最近諸々とっても忙しかったです。あさってからの個展の目処もついて、ちょっとホッとしてます。 個展楽しみですが、撮影も行きたい・・。

「行動すれば、人生はいつだって変えられる」うん、いいね！ほんと、そう思います。 あと1週間で個展です。 この数ヵ月、そこに全力だった（いや進行形・・）ので、個展終わったら、あれもこれもとやりたいこと多数・・。VANで生活している人たちのインタビューと旅の風景を納めたビジュアルブックですね。眺めてるだけで楽しい。この手の本が好きなのは、そこにいると楽しいだろうなって思うから。 自由っぽいのもいい。 車中泊って、まともな経験はないです。車で旅する時って、ホテルが多いかな。たまに車の横にテント張ることがあって、風が強くてテントが危ない気がして、夜中に車に逃げ込んで朝までいたとか。夜通し走って眠くて疲れたのでサービスエリアでシート倒して仮眠したとか、その程度。この本見てると積極的に車で暮らすって、いいなと思った。我が家の車、FIAT PANDAだと無理かな・・。そういえば青森から日本海側をずっと車で南下する旅をしてた時のこと。車にギター積んで浜辺にテント張って。地元の新潟の方に、こんなとこでキャンプしてたらさらわれるよって。当時は、なんのこと？って疑問だったけど、だいぶ後になって北朝鮮のことだと知った時にはゾッとした。そんな危ない思いはしたくはないけど・・・。 そうそう、あの時のギターどうしたんだろ？知らない街で、ふとレコード屋さんの壁に掛かってた一番安いガットギター。懐かしい・・。またギターとテント積んで、旅いこうかな。ギターは、途中でふと衝動買いしてみる。 それがいい。 良い写真撮れそうな気がするしね。

このところ35mm＋85mmの単焦点の組み合わせで持ち出すことが多い中、ふと広角寄りのズームが欲しいなって思う時が多くて、使ってないレンズと交換で20−60の軽量ズームを手にいれました。 キットレンズを単品で購入するのは初めて。そしてズームするだけで開放のF値が変わるレンズは、過去だいたい手放してます。でも、これ良いかもって直感的に思ったんです。 このレンズ。20mm始まりっていう新鮮な画角。16mmが欲しいと思うこともあるけど、充分です。撮影していて楽しいって感覚はあまりないかな。でも、なんかいいです。マイクロフォーサーズを使ってると、フルサイズのレンズって、なんでこんなに寄れないんだと思うけど、これは寄れる。それに、よく写ります。ほんとよく写る。これ一本でも良いかもって思うくらい、ちゃんと写る。24-70mm F2.8 や50mmF1.4 のように惚れ惚れするカットが量産出来る訳ではないけれど、そういう絵になることもある。これ、当たりかもと思える実力秘めてます。こんなレンズを安く作れるパナソニックって、やっぱ凄い。 キットレンズは安かろう悪かろうって印象がつきまとう古い人間なんですが、これほんといい。

「米なんて買ったことがない」 そう言っちゃって職を追われた農林水産大臣。後任の小泉さんや、他の国会議員の方々は、米買ってるんでしょうか？ ぜひとも取材おねがいしたい・・。 我が家は、買ったことはあるけど、だいたいもらってる感じです。

京都現代美術館 やっぱいいね。 マイケル・ケンナは、ドキュメンタリー的や写実的なものが写真だと思っていた私に、アート的な写真で突き進んで良いいんだと気づかせてくれた写真家です。写真を深く知るようになると、そんな写真家が他にもいることを知るんですが最初に受けたインパクトは大きくて、やっぱいいなと。 ハッセルブラッドのカメラが欲しいと思ったり、三脚立ててスローシャッターで風景写真を撮ることもカッコいいと思ったこともそうだし。 やっぱいいね。 うん、もう何も言うことありません。

あべのハルカス美術館 ベルギーの作家さんです。ぜんぜん知りませんでした。でも「空想旅行案内人」というキーワードと案内チラシのなんとも柔らかな色使いの絵に興味をもってしまいました。 会場入ってすぐ、人をデフォルメした彫刻の数々。空想の旅にピッタリの演出ですね。ただ絵画が見たいと思って来たので、こういう彫刻ばかりが続くとゲンナリしたかもですが、最初だけで良かったです・・。 鉛筆画の落書きに見えるスケッチ、これが優しいい柔らかな水彩色が加わることで、いろんな人を魅了しちゃうことは展示の構成からもよく解りました。でもね、この色が無いスケッチだけを見せられたら、否定的に判断しちゃう人って多いんじゃないかなとも思ってしまった。単なる落書きにしか見えないですから。 柔らかで優しい色使いの絵が続くんですが、戦時中の絵は、ちょっと違ってた。優しい子供の絵を描く、いわさきちひろさんが、戦時中の絵を描いてるんですが、それを思い出しました。 フォロンは、風刺的に扱うことで戦争に対する自分の意思を表現してました。 それに、言葉としても こんな風に フォロンさんの絵は、やっぱね色使いが目に引きますね。この微妙な色味って、写真でも難しそうだなと。プリントすると、もっと難しいだろうなと。 ミュージアムショップで、絵の複製を販売してたんですが、その販売員の方が、この画家は色味合わせがめちゃくちゃ難しいと言われてました。複製画を案内チラシや、ポストカード、図録と見比べてみたんです。複製画は、ほんとに頑張ってました。7万7千円です。うまく原画の感じを出してました。欲しいと思ったけど流石にね、カメラ買ったとこだし。。 このフォロンさんの絵をみて、新しい写真のモチーフが浮かんできたんです。個展終わったら、試してみようかなと。なんだか楽しみです。

久しぶりにカメラを買った。発売前に予想以上の予約が入ったらしく、品薄だったらしいです。予想数が公表されていないので、うがった見方をしないわけではないけれど．LUMIXユーザーとしては、まぁ嬉しい。 万能なカメラなんて無いと思ってるのと、工夫して出来ることは、いくら機能が追加されても物欲が刺激されることはないんです。なので最新のカメラに飛びつくことは少ないんですが、これは欲しいと思って買いました。 もっかのメイン機はLUMIX S1R。操作性が気に入って画素数だけ小さいS1も手に入れてます。とってもお気に入りS1R。こんなカメラの後継機が悪くなるはずがないと、なんとも根拠のない自信から実機を触ることなく手に入れました。 まず届いた箱を見て、えっ？でした。S1RやS1とは大違いで、高級感全く無し。 ホームページ見ると 「環境への配慮と取り組み LUMIXは、脱プラなど環境配慮の取り組みを進めています。」 とありましたが・・。 そして箱から実機を出して、あれ？フラッグシップ機に感じるオーラが・・・ない。早まったかな・・・。 軽さから受ける恩恵は確かにありますが、見た目、感触、各種のボタン、ダイヤル回した時の感覚、確実にコストダウンの痕跡が伝わってきて道具としての愛着感が、S1Rほどは、沸いてこなかったんです・・。このカメラ50万近くします。とても、そんな風には思えない。いろんな性能は上がってるだろうし、このサイズに、よくぞここまでという部分が刺さった人の予約が増えたんだと思うんだけど、自分がどう思うかが大事。第一印象は、複雑でした。 まず初期設定。おっ？ えっ？ ほー と馴染みのない機能を見つけては、なにこれ？って調査はひとまず置いて、いつもの手慣れた設定に落ち着けて撮影開始。シャッターフィールがS1Rの上質さを期待すると、かなり残念。操作性はボタンやダイヤルの配置がS1RよりもS5に近い。絵の傾向が若干硬めでバリっとしたテイスト？レンズの影響かもですが、そんな印象持。メーカーが意図してやってるとすれば、これはトレンドなんですかね？ どこのメーカーもそうしてる気がする。でもLUMIXのテイストはあるし、素晴らしい。 オートフォーカスも、いいです。ポートレート撮る時に、S1Rだと気を使う部分が、大きく改善されてたのは嬉しい。ただソニーだと異次元のフォーカススピードと正確

歳を取る。身体的な衰えは確実にあって、若い者には勝てないことは確実に増えます。仕事の上でも若者に任せたほうが良いものが出来るケースは多い。スポーツ選手なんて、まさにそうでしょう。 少しでも、体力の衰えを遅らせる努力はするとして、年寄りに期待されることってなんなんだろうね。ということを考えてみた。 年寄りが話題になると、お若いですねって言葉が、誉め言葉になる。だいたいは見た目。なんだか違和感をいつも感じることも多くて、年寄りの価値ってなんだろうと。 時代劇やら西部劇で出てくる集落では年長者の意見が、とっても重宝されてます。「では、ご意見番に聞いてみましょう」となって、ご意見番らしい長老が出てくる。そんな世界は、世界中であるみたいです。年長者の意見が必要な文化が確実にあったんだと思います。過去形にしたのは、その構図が崩れてる気がするから。理由は、年長者が持つ意見が貴重ではなくなったからなんだろうと。年長者が衰えてきたのか？それ以外が凄いのか？ はたまた聞く必要のあることがなくなったんだろうか？ 昔は、10年、20年で、時代が大きく変化することなく進んできたのかもしれない。進んでる世の中のベクトルが同じ時代。年長者は、多くの若者が踏み入れていない遠くのことを経験として知っていて、それが貴重な意見として重宝される。経験則で伝えられることを伝えていれば、それが重宝された。生き方が多様になり価値観や生活習慣が変わると、その経験則が、まったく役に立たない。むしろ過去の考えとして邪魔な意見になってしまう。こんな仮説はどうでしょう。ネット全盛で、ネットで調べれば、だいたいのことが解る。こんな見方もあるかもしれない。 ChatGPTに聞けば、なんでも教えてくれるよって時代だと、頼るべき人なんて要らないのかもしれない。嫌な時代だと思うか、便利な時代だと思うかも、分かれ目かもしれない。 ただネットの世界で知れることは、ほんの一部だと思ったほうがいい。リアルな世界は、その何十倍も情報にあふれてます。感覚的なことや、プライベートで隠されている部分なんて情報は無いに等しいから。なんてこと言うと鬱陶しがられるんでしょか？ そんな世の中でも、昔の長老のように振舞われるにはどうしたらいいのか？ 年長者が今の状況を知る努力をして経験を今風にアレンジ出来る術が必用なんだろうなと。「昔はねっ・・」て前置きを辞め

京セラ美術館 モネですもうなんも言うことない、モネです。なぜか、モネの絵見てると、動くんです。 じっーと見てると、ほら動いたって。 日本人が美術館で一枚の絵をみる時間って、数秒らしいです・・。見てる人を観察してると、長くても10秒・・。ほんともったいない。 一度やってみてほしいんです、数分、じっーと見る。混んでる美術館では他人が見れないほど、近くに寄ると邪魔者でしかないので、遠目でじっと見る。そうすると周りの人も、ちゃんと避けてくれます。避けることなく目の前に陣取って視界に入る人もいますけど、そう言う人は、すぐにいなくなるので、そっとやり過ごす。 そうやってじっと見てる そうするとね、動きます。 小学生がモネの睡蓮を見て、「蛙がいる」と言ったのは有名な話。蛙は書かれていないんですが、そう見える。その感覚、すんごい解ります。じっと見ると絵が動く感覚に気づいてからは、モネの絵は、必ずそうします。そういう意味で、モネの絵って楽しい。 それとねモネの絵は、自然光で見るともっといい。日本のどこの美術館でも、モネの展示をすると、パリのオランジュリー美術館のオマージュみたいな部屋を必ずといっていいほど作ります。今回もそうでした。でも、だいぶ違う。オランジュリーの良いところは自然光たっぷりの場所で見れるから。それは現地でってことなんでしょう。ただ美術館は頑張ってます。だから、よしとしましょう。 今回もね、動いてました。はい。

サード・キッチンは、アメリカのとある大学にあるマイノリティが集う学生主催の食堂のこと。日本人留学生の尚美が、そこで様々な人種の学生達と慣れない英語に苦戦しながらも交流し、差別や偏見、固定観念からくる捉え方の違いに気づき、そして自分自身の家族のことを深くみつめていくという小説の良書です。日本にいると、人種の違いを肌で感じることは難しい。黄色人種であることをマイノリティだと思う日本人が、どれだけいるだろうかと。この本読んで思い出したのは、遠い遠い学生の頃、大阪から東京へ初めて一人で行った時のこと。街で話かけられた人との会話の最後に「君、訛ってないね」と言われて愕然としたこと。大阪人なのに、言葉のイントネーションが大阪弁ぼくなかったので、そう言われたんだと思うんですが「訛り」という言葉に、敏感に反応しました。訛り？ 大阪なのに訛り？ そして今まで味わったこともない卑下される感覚も知りました。大阪にいる時には、自分の住む世界が、他からするとマイノリティーだという感覚はまったくなかったし、言葉が訛ってるという自覚すらなかったですから。 その時に、ふと思ったんです。他府県からの転校生が話す言葉が、面白くて、「訛ってるね」って言葉を自分も使っていたこと。そういう言われる立場になって、初めて自分が、上から発言していることを自覚しました。自分が感じた嫌な感覚を、加害者として転校生に対してやってたことを。 この小説では、異文化の中で暮らすことで知る、偏見、差別、捉え方の違いが、どんどん出てきます。異文化の中に入るってことは、とても苦労することだけれど、他を知ることで、自分を知るきっかけになるということですね。いまでも無自覚に偏見持っていることって多いんだろうなと。すごい考えさせられました。この小説、読み始めては、他の本を読み始めてしまって、なかなか進まなかったんです。読んでいて捉え方の違いに戸惑ったり、身につまされて苦しくなって現実逃避したい自分の弱さもあってだと思います。 時間はかかったけれど最後まで読んでみて、主人公尚美家族の複雑な関係が、すこし前を向いて終わってたこと。そこから、きちんと知って向き合うって大事だなと思えた、気づいきの多い良書でした。 これNHKの理想的本棚って番組で紹介されてました。「 人にやさしくなりたい 時に読む本 」の一冊に。そうね、ほんとそう思います。

毎年、桜の季節になる今ごろ、パナソニック本社にある、さくら広場桜を堪能して、松下幸之助歴史館を覗くことが恒例のイベントになってます。さくら広場は安藤忠雄さん設計の半円形の段々となった場所に桜が植えらた市民へ開放された憩いの場所。パナソニック本社の敷地内ということもあって、職員の方がちょっとやりすぎじゃないかと思うほど丁寧に整備されていて、清潔に保たれてます。 そのさくら広場の隣に、ものづくりイズム館、松下幸之助歴史館があります。どちらも入場無料の太っ腹。 展示されてるものが、大きく変わることは少ないけれど、毎回毎回、刺激というか、言葉の重みに頷いてしまいます。今でも充分通用する言葉の数々。思想を伝えるということの大切さを、パナソニックは、わかってると思うんです。そして、これだけのものを作ってもなお、伝えることが難しいことも。毎年、訪れてても、来て良かったなと思う。そして、こういう場所が、近所にあることを、幸せに思います。 このふたつの建物、門真の地に本社を移した時の本社の社屋を再現し、建てられてます。 どっちも同じ形。 屋根には船の舵が、据え付けられてます。当時、松下幸之助さんは会社の進路を示すモニュメントにしていたとか。瓜二つの建物ですが、この舵の色が、違うんです。なんだか船舶に似てるなって思ってました。 初代の訓練船で同型の帆船、日本丸と海王丸の見分け方は、マストの先端が白か茶で違うとか、2代目は、救命ボートが白と赤で見分けたりと、そういう小さな、でも解る人には解る、区別を施すんです。 僕は、こういう拘りが大好き。大きな大義は同じ、でも小さなことで、個を主張するみたいな。 哲学や思想って、なかなか真面目に語る機会ってないと思うんです。でも、生きる上で、生活する上でも、とっても大切なことだと思うんです。それを、きちんと伝え受け継ぐことも。 写真にも、そういう哲学や思想が、影響すると思っていて。それが写真を通して受け継がれると嬉しいですもんね。

松田さんの写真展です 案内文には、こう書かれてました。 Journal français ～フランス日記～パリ滞在の前半はリュクサンブール公園、後半はモンソー公園近くのプチホテルを拠点に散歩する等身大の私日記風にまとめてみました。A l’oeuvre,on connaît l’artisan.(作品はそのつくった人そのものが出る。)Créer, c’est produire quelque chose à partir de rien(創造することは、無から有を作り出すこと。) まずですね、パッと見て、これは絵画でした、写真絵画。 僕の写真も絵に間違われることが多いです。だから思ったことなんですが、絵が好きだから自分のフィルターを通すと絵画風になるという、いつも思ってることを、松田さんの写真にも感じました。大きな一枚は、まさにパリで活躍した画家の『荻須高徳』さん。荻須さんの初期の作品は佐伯祐三さんの影響を諸に受けてるんですが、松田さんの作品にも、その荻須さんの影響を感じたんですね。すべてフィルムで撮られて手焼きで現像されてるという作品は、色味が、まさに荻須さん。聴いてみると、松田さん、やはり荻須さんの絵が大好きだとか。 松田さんは、パリでも何度も作品を発表されていたり。そして音楽も生業にされてるとか。作品観てると、そうだろうなって思わず唸ってました。松田さんのフィルターには、高精細に写し撮るというカメラオタクの方々が気にする写真の概念はないんです。そんなことよりも、アーティストとして、自分の目で肌身で感じた感性で、街を撮ってみたらこうなったと。そういう写真ですね。 案内に書かれた 「作品はそのつくった人そのものが出る。」 まさにこれですね。 写真以外のアートに興味がない人には、この良さ理解されないだろうなと思ったけれど、僕のやりたいことも同じベクトルなので、とっても好感が持てた展覧会でした。こういう作家さん、大好き。 良いもの観れてラッキーでした。

以前、景品でいただいた、四つ葉のクローバーのタネ。 四つ葉が出来る可能性が高いというだけで、必ず四つ葉が出来るとは限らないらしい。三つ葉ばかりだったけれど、ひとつ四つ葉が出現した模様。 ふむふむ。

Nishinagahori CafeRoom+元SMILEの浅田信一さんのライブでした。 このYouTube動画、大袈裟でなく、1000回以上、感覚として聴いてると思います。 https://youtu.be/0CkVoGDyW-g?feature=shared SMILE「昨日の少年」 歌い出しの 『背より「も」・・』 の抜ける声に毎度痺れてます。この曲知って、かれこれ30年くらい。 この歌ってるボーカルが浅田信一さん。SMILEってバンドは、活動当時、ラジオで流れてて、良い曲書くなと思って聴いてました。 今回、ライブに行く気になったのは、岡野宏典さんのYouTubeチャネルに、このSMILEの浅田信一さんをみつけて。岡野さんは、SING LIKE TALKINGの佐藤竹善さんのライブにゲストに出てるのを見て以来、ライブにも行ったし、CD買って、今もちょこちょこチェックさせてもらってる存在。 その岡野さんと一緒にSMILEのデビュー曲を歌ってる、それがこれ。 https://youtu.be/9rL41L6GZvQ?feature=shared 浅田さんが、大阪に来てライブしてるのは知ってましたが、なかなかスケジュールが合わず、今回が始めて。SMILEのイメージが強くて。ソロの曲はYouTubeでチェックしたくらいの曲しか知らない。 でも良かったです。 アコギ一本って好きなんです。 自分も高校生の時から、いまだに40年以上、ギター持って曲作って歌ってて、「シンガーソング・フォトグラファー」なんて、名乗ることもあります。一部にですけど・・。おこがましくて、ここに書くことではないですね・・。 今回ライブの使用ギターは、マーチンのD-45です、たぶん。SMILEの頃は、ギブソン使ってた印象あったので、意外でしたが。 そのマーチンに、ピックアップは、L.R.Baggs Anthemかな？ ラインで、あの空気感はそうじゃないかと。素人の推測です・・。 そのマーチンを弾きながら、歌う浅田信一さん。いやはや、ほんとに良かったです。メロディーメーカーだなと改めて思いました。 ある曲の前に、ギターのキーを落として歌い始めたのが、SMILEの「昨日の少年」 泣きそうでした。 嬉しかった。 それに最新のアルバムに入ってる「

先日のこと、お酒飲んで帰宅して、とっても良い気分でギターをぽろん。なぜか弦交換をしたくなって、交換作業開始。弦の交換なんて、もう何百回とやってるし、ミスることないと思ってました。 が、一番太い6弦をプチンとやってしまった。6弦なんて普通切れるもんではないし、弦交換時に、弦を切ってしまうようなことは、ここ数年経験ない。楽器屋さんで6弦だけ購入。酔った時には、やめた方がいいね。はい、戒めのためにここに書いとこう・・・。 指板もへたってきてます。そろそろメンテ必要かな。

物を整理していると、ふと懐かしい物を見つけて手が止まってしまう。よくあることだけれど、昔の写真をなんとなく漁っていた時に、虹の写真を見つけた。その時のこと鮮明に覚えてました。いつものように新幹線から風景を撮ってる時に、虹をみつけて、ずっとその虹を追ってたこと。かなり長い時間、見えていた5年も前の写真。この写真の虹を見ているだけで、なんだか得した気分になった。とっても些細なことだけれど、そういうことを喜べることって、実はとっても幸せなことなのかなと。ふと思ったという話でした。

フォトコンってカメラ雑誌に、「一生懸命フォトグラファー列伝」という連載企画があります。2002年から始まり。現在発売中の3月号で、279回。一年に12冊だから、23年間も連載が続いていることになります。2012年には、その当時までに掲載された、145名の記事をまとめたが単行本が出版されてます。すごいのは、その記事の執筆や写真家の撮影を、たった一人のカメラマンが続けているということ。 で恥ずかしながら、取材を受けました。 その方は、神立尚紀さん。私のような写真家、いや写真家と名乗らせてもらっていいのか？って思うへなちょこな私をです。取材中に知ったことですが、神立さんは、大阪出身。私と同学年。大阪の府立高校の合格発表の日に、僕はギターを買いに走りました。まさにその日、神立さんは、カメラを買い求めたとか。車にも関心が高くて、そちらの話も楽しかった。そのままお酒でも飲めたらずっと話してたと思います。 そんな神立さんは、特攻隊関連のドキュメンタリー本も書かれていて、それにも興味を持ちました。昨年、以前住んでいた鹿児島を訪れ、知覧や鹿屋の特攻の資料館を見て周り、何冊かの関連本を読んで間もないこともあって、取材が終わってすぐに神立さんの本を読んでみました。取材力と文章力に、圧倒されましたが、知ってる人が書いたものだって思うと、さらに嬉しくなってます。 さて、そんな神立さんが、私のことを書いてくれました。一生懸命フォトグラファー列伝の280人目として。記事は、2025年3月19日発売の フォトコン 4月号に掲載されます。嬉しいやら恥ずかしいやら・・。 でも、ぜひ見てみてください。よろしくお願いします。

僕は、大阪にある写真表現大学というプライベートスクールで、3年ほど、写真について学びました。自己流から、写真のこと本格的に学びたいと思ったことがきっかけ。最初は、確か、写真は絵画の流れを汲んで発展してきたという歴史の講義。かなり面食らいました。カメラの技術的なことを学びたかったのに、なんで？と。以降は、作品を発表するにあたってのお作法や技術的なこと。あとは、ひたすら撮った写真を見せて、講評されるということを延々と。 でも、僕には、これが良かった。 元々、絵画が好きだったこともあって、絵画の延長で写真を考えて良いという考えは、目から鱗でした。絵画は、その画家の思想が反映されるんです。年代ごとにその考えや興味も変わる。そういう画家の背景を想像しながら絵を見るということが、大好き。写真もそうだってことを知れたことは、今の僕を構成する大きなインパクトだったと思います。 それからは、テーマを探り、テーマを決めて撮りまくる。そして写真の講評を受け、そういう見方もあるのねって肯定的な感覚と。そうかな？って否定的な感覚が、毎回頭の中でクロスする。 何度も何度も写真を撮り考えるというサイクルを繰り返すうちに、突然気づくんです。あっ自分は、このテーマをこういう解釈で、こういう表現をしたいんだと。そうすると、写真のグレードが、ぐっと上がる感覚が芽生えるんです。 この体験、癖になります。何度も、そういう体験をすると、もう写真から離れられないと思います。 でも、最初にそうなるまでは、何万枚も、同じテーマで写真を真剣に撮らないと理解出来なかったと思います。この感覚を誰かに教えることは私には出来ない。たぶん、誰にも、教えられないんじゃないかな。ほんの数日で、そうなる人もいるだろうし、何年もかかってたどりつく人もいるだろうけれど、撮影する人が頑張って気づくしかない。 そうやって、作品化したものは、僕の思想や視点が反映されていて、それを年代ごとに並べた時に、自分の変化も実感できる。いやはやすごい仕事だなと思います。 今だから言えるけれど、技術的なことは表現したいことが明確になって、後追いで学んで身に付ける。それでいいと思います。最初から、技術的なことを覚えてしまうと、その技術に引っ張られる作品を作るようになるから。自分が表現したいこととは、ズレてしまう気がするんです。 学んでる時は、そんなこ

次の個展用に、だいたいの写真を選んだとこ。ここからもっと絞り込んで、レイアウト決めやら、DM作り、そして本番用のプリント作業など、盛りだくさんではあるけれど、目処がついて、すこしほっとしてるとこです。 家にいる時は、写真に関わる時間がほとんど。楽しいから、そうなります。 ただ突然、無性にギター弾きまくりたい病が、やってくるんです。 ギターを始めたのは、高校の入学が決まった日から。ビートルズの影響です。ポールマッカートニーが弾く、アコースティックギターがかっこよくて、憧れてました。社会人になって、バンド仲間と音を重ねるという楽しいことが、出来ない。なので、カセットテープに4チャンネル録音できるMTRという機械を買って、一人多重録音を始めた。ベース、リズムギター、リードギター、ボーカルの4つを重ねることが多かったです。今は、パソコン使ってるけど、やってることは若い時と変わらないです。 ギターは、ほぼ毎日、数分の時もあるけど触ってます。長く弾く時は、だいたいラジオやテレビから流れてくる音楽のメロディーのコピーを始めて、そのうちコードを探し、勝手にアレンジを始め、オリジナルな展開へ進むパターン。 いいかもって思うものは録音。ある程度貯まってから、曲を仕上げる。 ふと思ったんですけど、これ写真作品を作るパターンと同じだなと。 まずは、とりあえず、良いなぁって思うものを撮り始める。そして溜まった写真から、やりたいテーマを見つけて、さらに作品に仕上げていくと。どっちも、とにかく時間かけて量をこなす。量があると、どんどんレベルが上がることを経験として知ってるから。 本格的に、始めたのはギターが先。でもその経験があったら、写真がやれてるのかなと思うことがあります。 写真だけやってても、今の私の作品にはならなかったんだろうなと。 写真は深いなぁと思います。